Por esos días solía pasear mucho por galerías Brasil – bueno, eso no ha cambiado demasiado y es ahí donde conseguí los primeros dos discos de bandas nuevas – es decir discos realmente progres editados en los noventa – que oí, The World de Pendragon y Rings of Earthly Light de Eris Pluvia.

Tengo una relación de amor odio con Pendragon – bueno, lo de amor es básicamente porqué oirlos me dió esperanza de nueva música – y Eris Pluvia me conmovió terriblemente.

Rings of Earthly Light es sencillo de calificar: Es un disco brillante. Una eficaz mezcla de sonido de folk, jazz y rock que recuerda a Genesis y Camel al igual que tiene ese aroma a progresivo italiano.  Eris Pluvia consiguió un disco que sonaba a progresivo clásico sin dejar de ser actual.

Rings of Earthly Light (1991)

1. Rings Of Earthly Light: (17:12)
a) Earthscore
b) Portrait
c) Sell My Feelings
d) Following Her In A Fantasy Lake
e) I Re-Emerged, Ancient Knight, In Presence Of Metal Knights
2. In The Rising Mist (4:26)
3. The Broken Path (1:32)
4. Glares Of Mind (3:56)
5. Pushing Together (4:40)
6. You’ll Become Rain (2:14)
7. The Way Home (9:17)

Total Time: 42:37

Banda

- Alessandro Serri / voice, electric and acoustic guitars, and flute
- Paolo Raciti / piano and keyboards
- Edmondo Romano / recorder flute, saxophone, and backing vocals
- Marco Forella / bass and acoustic guitar
- Martino Murtas / drums and percussion
- Valeria Caucino / vocals
- Enrico Paparella / acoustic guitar
- Alessandro Cavatorti / acoustic guitar
- Sabrina Quarelli / violin

Poco después Serri y Romano parten y graban un disco bajo una nueva denominación “Ancient Veil” con un sonido bastante parecido a su banda madre (después de todo el saxo de Romano y la voz de Serri eran lo más reconocible de la banda) pero sin llegar al nivel de brillantez de Rings of Earthly Light.

Pero con esta banda participan en un homenaje a Genesis y otro al progresivo italiano clásico tocando The Lamia (del Lambs…) y Gioco de Bimba (de Le Orme) en versiones más que correctas.

Eris Pluvia – con una banda renovada -  regresa el 2008 a los estudios de grabación y dos años después presentan  Third Eye Light, un disco conceptual que suena sorprendentemente maduro dejando la sensación de una multitud de discos durante los 19 años de ausencia discográfica.

Third Eye Light reemplaza el elemento folk por una propuesta más dura, más roquera sin embargo la diferencia no deja la sensación de una banda distinta sino de una manda madura.

Third Eye Light(2010)

1. Third Eye Light
2. Rain Street 19
3. The Darkness Gleams
4. Someone Care For Us
5. Fixed Course
6. Peggy
7. Shades
8. Fellow Of Trip
9. Sing The Sound Of My Fears

Banda

Alessandro Cavatorti – Guitars
Marco Forella – Bass
Matteo Noli – Vocals, Guitars
Paolo Raciti – piano, Keyboards
Daviano Rotella – Drums
Roberta Piras – Flute,Vocals
Diana Dallera – Vocals
Max Martorana – Classical Guitar

Recuerdo que – al conocer la noticia del nuevo disco – tuve el temor de algo tan distinto e indigno que terminará empañando la memoria del etereo e incombustible Rings of Earthly Light. Después de muchas escuchas solamente me queda una opción frente a  Third Eye Light y no es otra que recomendarlo, recomendarlo encarecidamente. Sobre todo si te gusto el primer disco o si eres fan del progre italiano.

My Space de la banda Link

Una de las cosas que admiraba de Chesnutt era la manera como había  logrado un lenguaje que le permitia hacer invisibles sus problemas. Invalido desde los 18 años, gracias a un accidente de auto, Chesnutt vivia pegado a una silla de ruedas desde la cual desgranaba composiciones frágiles pero poderosas que nos dejaban – al menos a mi – la impresión de alguien con un lenguaje que no solo escapaba a sus limitaciones, las usaba para construir su voz.

Chenutt tenía una voz delicada, un registro corto, una tecnica sencilla pero eso le bastaba para el estilo que había elegido, un folk refinado, cercano al americana de Marissa Nadier y tributario de los devaneos folk de la etapa IRS de REM (de los que era casi vecino) que incluso estuvieron involucrados – bueno, Stipe lo estuvo – en el lanzamiento de sus dos primeros discos.

Tenia una voz delicada y una técnica singular para la guitarra, bastaban un par de notas y alguna silaba para capturar mi atención y hacerme notar la tremenda sensibilidad detrás de ese hombre disminuido y golpeado pero sin embargo grande que cantaba en algún lado del sur norteamericano.

Chenutt estaba  agobiado por las deudas y el dolor, una sobredosis de relajantes musculares termino llevándoselo el día de navidad, un hombre fuerte que finalmente eligió irse a seguir malgastando esperanza.

Hoy fue un día triste, muy triste y además se nos fue Vic.

Como todo descubrimiento llegué a la Nadler por accidente cuando alguien me pasó una versión de ella del no surprises de Radiohead. Recuerdo que lo primero que pensé es que estupenda voz, caray. Poco después, leí una nota sobre ella en jenesaispop que me dio mas info y despertó mi curiosidad.

No abundaré sobre su curiosa historia, pero si sobre su voz, quebradiza, dulce y a la vez punzante, sobre su guitarra, entre melancólica, tenebrosa y cristalina, sobre su estilo cercano al lleno de reminiscencias al folk del medio este norteamericano o a Edgar Allan Poe.

La Nadler forma parte de un circuito bastante particular de cantantes que prácticamente se auto producen y publican en pequeños sellos, escuchándola y a Josephine Foster entre otras de las que tal vez hable en otro momento, uno confirma que lo mas interesante de la música norteamericana no es el punk californiano que pasan por MTV (felizmente)

El último disco de la Nadler me pareció notable; Mexican Summer es un tema estupendo, para recordar tiempos idos, para oir con alguien en el porche de una casa, para tomar chocolate con una princesa

A inicios de los ochenta Kaipa se separó, unos años mas tarde Stolt formó The Flower Kings, una de las bandas mas prolíficas y activas en lo que a música progresiva se refiere. En el año 2002 Hans Lundin reforma la banda y cuenta para eso con la participación de su viejo compinche Stolt en la guitarra y con él llega Jonas Reingold – también de TFK, – un bajista de formación Jazzística

Con esa base Kaipa regresa a los ruedos, el sonido cambio algo al respecto de los años setenta, siguio en la onda de hacer una fusion entre rock, jazz y folk, pero refinando el asunto, electrificando mucho mas el sonido, La influencia de The Flower Kings se nota hasta cierto punto, pero se va diluyendo ante la marca presencia de los teclados de Lundin – verdadero dueño de la banda – y termina con la partida de Stolt despues del rotundo Mindrevolutions.

El disco mas reciente de Kaipa se llama Angling Feelings, a despecho de haber reemplazado a Stolt (que despues de todo tenía un enorme peso compositivo), con un guitarrista bastante distinto como Per Nilsson, se escucha un trabajo bastante fresco y solido.

Si tuviera que describir el sonido de este disco con una palabra sería frescura, a diferencia de otros musicos progresivos Lundin tiende a buscar un sonido mas bien sencillo y accesible.

Recomendado.

Como bonus les dejo un video de los Flower Kings: Pioners of Aviation

A mi me fascino Marillion desde casi la primera escucha, el paso a la voz de Hogarth me resulto algo traumático, pero me terminó capturando la versatilidad vocal del nuevo cantante.

Somewhere Else me pareció un disco mas bien en la onda de los nuevos de Marillion, menos prog si se quiere que Marbles y menos roquero que Anoraknophobia, inferior a ambos, definitivamente, pero a mis oídos resulta un buen disco. Siento en él como se repiten algunos rasgos que se están haciendo comunes en los últimos discos de la banda. Reminiscencias beatle en la orquestación sobre todo en el manejo de las cuerdas, instrumentaciones mas bien complejas pero buscando dar sensación de simpleza, arreglos muy cuidados y predominio de temas melancólicos, atmosféricos, con leves toques electrónicos, antifolk o jazzy, redondeados por la voz de Hogarth, cerrando el circulo, convirtiéndose en una presencia tan dramática como lo fue Fish en su momento, pero apoyado en una voz tanto mas versátil, tanto mas capaz.

Acá dejo las impresiones despues de algunas escuchas del disco

Somewhere Else (2007)

1. The Other Half (4:24)
2. See It Like A Baby (4:29)
3. Thank You, Whoever You Are (4:42)
4. Most Toys (2:44)
5. Somewhere Else (7:46)
6. Voice From The Past (6:12)
7. No Such Thing (3:58)
8. The Wound (7:11)
9. The Last Century For Man (5:26)
10. Faith (4:09)

1. The Other Half (4:24)

Comienza marchoso, casi a la mitad cae en esos jugueteos entre epicones y románticos entre la guitarra de Rothery y la Voz de Hogarth. El piano de Kelly suena muy distinto a como lo utilizó en anteriores discos, incluso siento una ligera, muy ligera, reminiscencia a los fraseos de Vangelis en los discos de Anderson. El tema me gusta.

2. See It Like A Baby (4:29)

Es un tema mas bien pop, ganchero y bien construido. pero nada del otro jueves.

3. Thank You, Whoever You Are (4:42)

Comienza con un piano muy en la linea de los últimos discos de Marillion, es mas el tema pudo estar sin problemas en Marbles. la atmósfera esta muy cercana. Por momentos le siento cercanía con Genie o las Marbles (I-IV) por otros le siento cercanía a House. Me gustó mucho el leve escarceo Kelly-Rothery hacia el final. Definitivamente el gordo esta infravalorado.

4. Most Toys (2:44)

Cuando comenzó la canción me pareció estar ante la segunda parte de The Damage, no me pareció tan mala como a otros, pero tampoco me gustó. Me parece probable que sea el segundo single.

5. Somewhere Else (7:46)

Comienza con un juego de piano, guitarra y teclados muy a lo Marbles, por momento la voz me recuerda a Wilson de los Porcupine Tree, por otros la instrumentación me suena descaradamente Beatle, sobre todo en los arreglos de cuerda hacia la mitad del tercer minuto. La guitarra tiene estupendos momentos. En si el desarrollo de la cancion se asemeja al de Ocean Cloud, pero menos lograda.

6. Voice From The Past (6:12)

Tiene un comienzo dramático, la combinacion de piano y voz me recordo ligeramente a algunos trabajos de Tori Amos, sobre todo en ese sonsonete entre repetitivo, monotono e hipnótico de la pelirroja. Conforme la canción se desarrolla la tonada principal se va arropando de mas instrumentación, proporcionando una sensación mas cálida. Otra vez las referencias aca son Marbles, por momentos el This Strange Engine. Me da la impresion que esta cancion hubiera sido parte del desarrollo de Somewhere Else o que hubieran sonado mejor si fueran un único tema. Por cierto, junto al anterior y The Wound, me parecen lo mejor del disco.

7. No Such Thing (3:58)

Comienza con la voz de Hogarth ligeramente manipulada, comienza algo monotona, pero levanta hacia el final, se me antoja demasiado corta, poco trabajada, como si esta cancion hubiera entrado con prisa al disco.

8. The Wound (7:11)

Ha tenido que casi acabar el disco para que Marillion suene a Marillion, por momentos el sonido suena a Brave, por otros a Afraid of Sunlight, a mi gusto es la cancion con mas fuerza del disco.

9. The Last Century For Man (5:26)

En casi todos los discos post Fish suele haber un tema dramático similar a este, 100 nights, The great escape, afraid of sunlight, Neverland, particularmente no me engancho.

10. Faith (4:09)

Una linda canción, un tema a lo Made Again, bien trabajadito instrumentalmente, Es aca donde me parece que Hogarth canta mejor en el disco, cálido y emotivo. un tema bien trabajadito, me muero de ganas de saber como sonará en vivo.

En si el disco me parece, aunque inferior a Marbles, bastante bueno, distinto a lo que esperaba, despues de todo es hora de enterrar la esperanza de un nuevo Brave, Marillion, como ahora Porcupine Tree, están metidos a otro sonido no son enteramente progres pero no dejan de serlo. Incluso me parece que el hecho de ser inferior a su predecesor no es siquiera problematico, Marbles me parece que junto a Misplaced… y Brave, es de lo mejor que ha editado la banda. Pero si me parece que es mas un disco de transición, creo que con este disco terminó de sepultar la esperanza que tenía de un nuevo Brave.

Uno de los descubrimientos musicales que hice el año pasado fue un cantautor ingles que en su momento fue minoritario, que se negaba a dar conciertos e incluso a participar en la presentacion de prensa de sus discos. Un tipo enamorado de su entorno como quien se enamora de un barrio, de una calle, como Joyce de Dublin, Borges de Buenos Aires, Ribeyro de Miraflores.

Drake Murio un 25 de noviembre del 74, en la mañana para mas señas, no desperto despues de una sobredosis de antidrepesivos. Hasta el dia de hoy se cree que no fue un suicidio y si una muestra mas de la mortal desidia y desapego que mostro en vida hacia todo lo que lo rodeaba. Una distraccion incurable, ausencia de una nota de suicidio, detalles que plantean dudas sobre lo que para muchos fue una certeza. Nick Drake tenia un enorme desapego por la vida.

Pero tenia una hermosa voz y la capacidad de construir liricas deliciosamente sencillas, poeticas y bucolicas, llenas de esa hermosa melancolia de la campiña inglesa, una influencia que recien se hace palpable en grupos de los ultimos 10 años (el mas facilmente identificable es Belle and Sebastian), pero el sólo conocio el injusto y facilmente entendible olvido al que lo sometio su tiempo.

Pink Moon es el nombre del ultimo disco que logro terminar en vida. La leyenda, que aca se funde milagrosamente con la historia, dice que se conformo con dejarlo en recepcion de la disquera, con estricta orden de sacarlo al mercado tal como estaba, sin mas arreglos, en contra de los consejos de su productor. Entonces ya estaba trabajando en los cuatro temas que se convertirian en el germen de No Reply, Disco postumo de demos e ineditos.

Drake murio dando partida de nacimiento a un culto, heredando a los pocos que lo conocieron en vida y a los miles que lo oyeron despues, algo mas que unas melodias deliciosamente tristes, algo mas…

Discografia:

Five Leafs Left (1969)

Bryter Later (1972)

Pink Moon (1974)