Por esos días solía pasear mucho por galerías Brasil – bueno, eso no ha cambiado demasiado y es ahí donde conseguí los primeros dos discos de bandas nuevas – es decir discos realmente progres editados en los noventa – que oí, The World de Pendragon y Rings of Earthly Light de Eris Pluvia.

Tengo una relación de amor odio con Pendragon – bueno, lo de amor es básicamente porqué oirlos me dió esperanza de nueva música – y Eris Pluvia me conmovió terriblemente.

Rings of Earthly Light es sencillo de calificar: Es un disco brillante. Una eficaz mezcla de sonido de folk, jazz y rock que recuerda a Genesis y Camel al igual que tiene ese aroma a progresivo italiano.  Eris Pluvia consiguió un disco que sonaba a progresivo clásico sin dejar de ser actual.

Rings of Earthly Light (1991)

1. Rings Of Earthly Light: (17:12)
a) Earthscore
b) Portrait
c) Sell My Feelings
d) Following Her In A Fantasy Lake
e) I Re-Emerged, Ancient Knight, In Presence Of Metal Knights
2. In The Rising Mist (4:26)
3. The Broken Path (1:32)
4. Glares Of Mind (3:56)
5. Pushing Together (4:40)
6. You’ll Become Rain (2:14)
7. The Way Home (9:17)

Total Time: 42:37

Banda

- Alessandro Serri / voice, electric and acoustic guitars, and flute
- Paolo Raciti / piano and keyboards
- Edmondo Romano / recorder flute, saxophone, and backing vocals
- Marco Forella / bass and acoustic guitar
- Martino Murtas / drums and percussion
- Valeria Caucino / vocals
- Enrico Paparella / acoustic guitar
- Alessandro Cavatorti / acoustic guitar
- Sabrina Quarelli / violin

Poco después Serri y Romano parten y graban un disco bajo una nueva denominación “Ancient Veil” con un sonido bastante parecido a su banda madre (después de todo el saxo de Romano y la voz de Serri eran lo más reconocible de la banda) pero sin llegar al nivel de brillantez de Rings of Earthly Light.

Pero con esta banda participan en un homenaje a Genesis y otro al progresivo italiano clásico tocando The Lamia (del Lambs…) y Gioco de Bimba (de Le Orme) en versiones más que correctas.

Eris Pluvia – con una banda renovada -  regresa el 2008 a los estudios de grabación y dos años después presentan  Third Eye Light, un disco conceptual que suena sorprendentemente maduro dejando la sensación de una multitud de discos durante los 19 años de ausencia discográfica.

Third Eye Light reemplaza el elemento folk por una propuesta más dura, más roquera sin embargo la diferencia no deja la sensación de una banda distinta sino de una manda madura.

Third Eye Light(2010)

1. Third Eye Light
2. Rain Street 19
3. The Darkness Gleams
4. Someone Care For Us
5. Fixed Course
6. Peggy
7. Shades
8. Fellow Of Trip
9. Sing The Sound Of My Fears

Banda

Alessandro Cavatorti – Guitars
Marco Forella – Bass
Matteo Noli – Vocals, Guitars
Paolo Raciti – piano, Keyboards
Daviano Rotella – Drums
Roberta Piras – Flute,Vocals
Diana Dallera – Vocals
Max Martorana – Classical Guitar

Recuerdo que – al conocer la noticia del nuevo disco – tuve el temor de algo tan distinto e indigno que terminará empañando la memoria del etereo e incombustible Rings of Earthly Light. Después de muchas escuchas solamente me queda una opción frente a  Third Eye Light y no es otra que recomendarlo, recomendarlo encarecidamente. Sobre todo si te gusto el primer disco o si eres fan del progre italiano.

My Space de la banda Link

Less Is More

Debo comenzar diciendo que soy fan de Marillion y que estoy convencido de – a pesar del brillo nostálgico del legado de los años en que Fish comandaba la banda – la importancia de Steve Hogarth como frontman y voz de la banda, una importancia construida sobre decisiones arriesgadas, sobre composiciones bien elegidas pero también sobre la sabiduria para salir del bache creativo a finales de la década de los noventa.

Hogarth es un cantante harto más dotado – aunque le duela a mucha gente – que el gigante escocés aunque compositivamente no alcance la calidad lírica que suele ser el punto fuerte del otrora vocalista de la banda. Sin embargo bajo su dirección Marillion se convirtió en algo más parejo, en algo más organico, con la partida de Fish se evito que cuatro músicos bastante creativos se convirtieran en la banda de acompañamiento de un frontman carismático, inteligente pero excesivo.

Marillion, como banda, jamás le ha huido al pop. Durante los años ochenta, con Fish como vocalista soltaron algunas joyas pop delicadamente construidas y con cierto punche, Lavender, Kayleigh, Sugar Mice e Incommunicado son temas que escapan del paradigma progresivo para entrar al de carne de radioemisora, piezas bien construidas, pegadizas y dueñas de estribillos memorables. Con la llegada de Hogarth – llegado de Europeans y casi arrebatado a los The The – un acercamiento a la formula radial era perfectamente posible y Season’s End, en su posición de disco de transición entre el sonido original de la banda y el que impondría el nuevo vocalista mantiene la formula de poseer piezas potencialmente radiables, pero esta situación se vuelve más notoria con el disco posterior, Holidays in Eden – que incluye una versión, indistinguible de la original, de Dry Land. Un tema de la anterior Banda de Hogarth; How We Live – que sin embargo es bastante equilibrado y se pierde un tanto con los dos siguientes discos, Brave y Afraid of Sunlight y regresa después y se mantiene hasta el día de hoy, bajo la forma de un par de temas capaces de sonar en radio por disco.

¿Porqué esta parrafada?

Porqué el nuevo disco de Marillion es básicamente una recopilación de algunos temas de la banda en un formato acústico – ese mismo que se puso de moda durante los años noventa gracias a MTV y en el que tambien ha caido Yes – y lo que se espera en una placa de este tipo es que la selección de temas incluya justamente esos temas que han sido alimento de las radios durante los esporádicos momentos de popularidad de la banda.

Esa sería quizá la manera más fácil de vender el disco.

Pero Marillion siempre se ha caracterizado por no hacer la más fácil, y con este disco  decidieron elegir algunos de sus temas favoritos – al menos eso dicen ellos – y hacer la transición al acústico, la selección de temas no deja de ser curiosa.

01 – Go! (marillion.com)

02 – Interior lulu (marillion.com)

03 – Out of this world (Happiness is the road)

04 – Wrapped up in time (Happiness is the road)

05 – The Space (Season’s end)

06 – Hard as love (Brave)

07 – Quartz (Anoraknophobia)

08 – If my heart was a ball (Anoraknophobia)

09 – It’s not your fault (nuevo tema)

10 – Memory of water (This strange engine)

11 – This is the 21st century (Anoraknophobia)

12 – Cannibal surf babe (Afraid of sunlight)

Es decir 2 temas de Marillion.com, otros dos del reciente Happiness is the road, uno del Season’s End otro del Brave, un tema nuevo y uno del This Strange Engine y otro del Afraid of sunlight. Con esa selección me queda en la cabeza un par de detalles.

1. Han obviado toda la etapa de Fish, cosa que no es realmente extraña, pues en concierto difícilmente tocan un tema de entonces.

2. Han obviado discos como Radiation, Somewhere else, Marbles y Holydays in eden. Cosa bastante rara, Answering Machine, These Walls y Cathedral Wall suelen estár presentes sus conciertos, Marbles es su mejor disco desde Brave, Somewhere else es un buen disco de transición y Holidays in eden es el disco más comercial de la banda.

Respecto al primer punto, no me parece malo que con veinte años al frente de la banda Hogarth prefiera librarse de la carga que representa el peso de la banda anterior a su llegada. Respecto al segundo, pues tanto Radiation como Holydays in eden son lo más bajo editado por ellos, respecto a Somewhere Else y Marbles probablemente estén demasiado frescos para ser reciclados y la inclusión de 2 temas del reciente Happiness is the road probablemente esté motivada por la intención de impulsar las ventas de ambos discos.

A este punto debería decir que a pesar que en lineas generales Less is More me ha gustado, hubiera preferido otra selección de temas o le habría agregado algunos otros.

This town/the Rakes progress/100 nights del Holydays in eden. Si incluyeron Interior Lulu, ¿porqué no esta?

Three Minutes Boy del Radiation, a mi me sigue pareciendo uno de los mejores temas de la banda.

Genie del Marbles, a mi manera de ver las cosas, el tema pop más perfecto que haya hecho Marillion.

The Other Half, del Somewhere Else, un tema con mucha caña y realmente redondo.

Ahora, convertir piezas generalmente eléctricas al formato acústico generalmente significa una deconstrucción de las mismas, para mantener el tono o convertirlas en algo distinto. En el caso de Less is More el resultado general apunta a dulcificar las composiciones, en la mayor parte de los casos lo logran, en otros – sobre todo en el caso de temas que ya eran bastante delicados en su versión original – están en el limite de aplanar el tema.

Regresando al tracklist del disco. Quizá dejando a un lado la novedad de It’s not your fault podríamos decir que los mejor parados de la conversión son los temas que originalmente eran mas atmosféricos que eléctricos (es decir los producidos a partir del 2001) de los temas noventeros me parece que mientras Cannibal Surf Babe e Interior Lulu salen bien parados – muy bien parados en el caso del primero – y Go! se achata demasiado Memory of the water, sorprendentemente, no se aleja demasiado del ambiente de la versión original aunque la hace un tanto más folk y gana muchísimo, me parece que incluso supera a la versión original. Hard as love, un tema del Brave, por otro lado tiene un cambio de registro notorio, pasa de ser un tema realmente roquero a ser casi un himno, el resultado no me resulta molesto, pero tampoco es que me entusiasme demasiado.

El arreglo de The Space suena a como si el tema hubiera sido compuesto para el Happiness is the road, lo cual refuerza mi idea sobre la evolución coherente en el sonido de Marillion, que posibilita que un tema con 20 años de antigüedad pueda ser actualizado con arreglos mínimos y sonar realmente moderno.

El tema nuevo de la banda es una baladita muy bien hecha, apropiada para lucir la voz de Hogarth con una instrumentación minimalista. De repente forma parte del nuevo disco en estudio de la banda, no me dice demasiado, pero es linda.

En realidad Less Is More resulta el título más apropiado para este nuevo disco de Marillion, es un tema con pocas sorpresas pero las existentes son sorpresas más bien de fondo que de forma, están en descubrir – o recordar – que la banda ha alcanzado un gran nivel de refinamiento formal y que en realidad estamos frente a músicos en buen momento que nos dan dejado un pasabocas para que esperemos el próximo disco.

Espero que sea pronto, por que – aunque simpático y agradable – este disco deja con ganas de más.

Structures me gustó mucho, por el rigor compositivo, por el vigor musical y por la cercania al sonido de algunas banda hacia las que mantengo particular devoción.

Honestamente le perdí el rastro a Kotebel por desinterés. A pesar de la gratísima impresión que me produjo la banda en su momento los imaginé como otra de esas bandas cigarra, que se toman años para preparar su primer disco y apenas sobreviven a él.

Vuelvo a tener noticia de Kotebel gracias a que un amigo me prestó el Omphalos (2006) para hacerme conocer “esta banda interesantisima de un tipo que alguna vez toco con el de Amarok” Kotebel, es 6 años despues de su primer disco una banda que mantiene el rigor como enseña, es una banda que es realmente más comparable (por la formación rigurosamente clásica) con The Enid, pero que tambien tiene mucho lenguaje comun con Genesis.

ha caido en mis manos el Mysticae Visiones del 2001, un disco que no había tenido oportunidad de oir hasta hace relativamente poco y me deja el mismo feeling que otros que había oido de ellos, un disco complejo y elegante, algo frio pero totalmente recomendable.

Links

Sitio de la banda link

Myspace link

Cuando comencé a oir música en serio uno de los primeros epítetos descalificadores que conocí fué Neo Prog en boca de un amigo que había vivido algunos años en argentina y que a pesar de haberse reasentado en Lima hacía muchos años no había logrado desprenderse del dejo platens.

- Costumbre y los viajes, él decía.

- Alienado y huevón, le deciamos.

Pero al final siempre terminabamos riendonos y oyendo música y conversando de la vida, el universo y lo demás.

Volviendo al tema, Neo Prog era un adjetivo descalificativo que solía aplicarse – en estricto sentido – a todo aquél progre que habiendose producido después de la edad de oro – lease inicios de los setenta – se alejaba del sonido canónico del género para acercarse a una propuesta más roquero o popera  – de acuerdo al lector – y que podía usar como referente el sonido del Genesis de Phil Collins posterior a a la partida de Hackett e incluso el Camel de los últimos setenta y primeros ochenta .

Aunque claro, el término tambien se aplicaba – al reves que la postmodernidad de Eco – a todo aquello que disgustará al oyente de turno.

Es decir, no era bonito que le dijeran Neo Prog a la banda que estabas oyendo.

Claro que entonces eras adolescente y los adolescentes son víctimas de un fundamentalismo galopante que afortunadamente se disipa con los años.

En esos años lo normal era considerar a Marillion Neo Prog, como tambien a IQ, It Bites y Pendragon. Existian otras bandas emparentadas, pero ni yo ni mi grupo de amigos las conociamos, la mayor parte de nosotros teniamos una cierta fascinación con Marillion – que yo mantengo hasta el día de hoy – que nos hacía incluso obviar la etiqueta y llamarlos “progre” sin más, sin el “neo”  descalificativo antes. Pero con IQ, qué al final es el objetivo de esta parrafada, pasaba que antes de conocer sus primeros discos – con Pete Nicholls – habíamos tenido que soplarnos el Nonzamo,  con otro vocalista y un estilo bastante pegado al pop, un disco que – a pesar de ser perfectamente respetable – entonces nos pareció realmente hediondo.

IQ era para nosotros el epitome del Neo Prog, representaba todo lo que ese género era, nuestro rechazo al género era comparable al que algunos metaleros sienten por el Nü Metal, y dentro de este mix de sensaciones – a las que se les sumaba ser fans de un género en extinción, de sabernos un anacronismo musical – IQ – y Collins, no piensen que me olvido de Collins – era una de las victimas más recurrentes de nuestra rabia.

El asunto es que el tiempo pasó, terminamos la secundaria, crecimos, el Neo se fué haciendo menos repelente, Marillion se fue alejando del género – en ese momento lo odiamos, pero llegó el Brave y nos cogieron a bofetadas por incredulos – Pete Nicholls regreso a IQ y editaron el Ever, un disco prolijo y bien logrado. No, realmente un gran disco. Entonces nos fuimos dando cuenta que el Neo no es tan malo.

Pasó el tiempo y en realidad IQ ha logrado una carrera sorprendentemente parejo  – Subterranea me parece un disco extraordinario y Dark Matter me parece que no está tan alejado de ese nivel de calidad.

Pero algo que suelen tener los discos de IQ es inmediatez, te enganchan de inmediato. Cosa rara para una banda que desde su retorno en los noventa se ha caracterizado por un nivel de complejidad mayor.

Ahora, Frecuency es el nombre del disco de este año de IQ. Debo admitir que a primera oida me parecio malo, tan malo como el futbol peruano. Le dí un par de oidas más al disco y no  mejoró la cosa.

Disco malo, pensé, debe ser el agotamiento creativo.

En principio oírlo me hizo pensar en todos los demás discos de IQ, sonaba casi igual, no encontraba evolución ni cambio ni nada por el estilo – cosa que si encuentro por ejemplo en Marillon – solo la misma banda sonando a la misma banda de los últimos diez años.

Pero un momento, ¿qué podía haber cambiado para que una banda que había hecho eso sistemáticamente durante la última década pasara de hacer un buen disco  a hacer uno malo?

Pues la complejidad musical estaba ahí. Se mantenía, las ideas no parecian haber cambiado, seguían pareciendose a Genesis, los teclados habían pasado a ser algo más elaborados, las guitarras algo más duras, pero realmente sonaba a la misma banda.

Entonces dejé de lado el disco, hasta hace un par de días.

Es cierto, a diferencia de otros disco de la banda, Frecuency necesita un tiempo para ser apreciado, no por su dificultad sino para percibir sus virtudes. El cambio de tecladista expande de manera perceptible el vocabulario de la banda, aunque en este disco apenas se noten chispazos de lo que puede aportar.  Las canciones, regreso a la estructura pre dark matter regresan al sonido IQ clásico, es decir partes vocales largas, duetos entre la sección rítmica y teclados, solos de teclados, basta para oir el primer tema de Frecuency para oir un compendio de todos los elementos estilisticos de la banda, no es un mal tema, pero en realidad no ofrece nada nuevo, salvo chispazos de algunas variaciones en el sonido.

¿Con los demás temas pasa lo mismo? si, un poco de novedad y mucho de IQ clásico.

Si eres un fan recalcitrante de IQ el disco te encantará, pero si eres sensible a la idea de una banda que se repite probablemente el disco te deje algo indiferente. Digamos que es un recomendado con reservas.

Juzguen por ustedes mismos

Si es difícil hoy, solo imaginen lo que habrá resultado en los setentas. Alphataurus, que grababa para el mismo sello de New Trolls,  es una banda realmente interesante con un sonido que recuerda a Museo Rosenbach y Emerson Lake and Palmer.

Solo lograron editar 2 discos, un primer disco homonimo en el 72 y uno postumo el 73, ambos recomendables para quien desee conocer un lado oculto pero no por eso menos resaltable del rock italiano e imprescindibles para los fanáticos del género.

Discografía.

Alphataurus – Alphataurus (72)

Alphataurus – Dietro l’uragano (73)

Aunque no es un disco reciente y el nivel del mismo es bastante irregular es un disco al que regreso con frecuencia, en primer lugar por mi conocida afición a Genesis y segundo por la calidad de algunas de las bandas italianas incluidas.

La selección de temas es bastante acertada, algunas de ellas son bastante conocidas y otras son de lo mas logrado de la trayectoria de  la banda, la selección de los músicos es variada y aunque algunos no dan la talla en general se nota el esfuerzo de hacer algo bastante decente.

Mis versiones favoritas son las versiones de Am I Very Wrong? y A Place To Call My Own del primer disco de la banda por los italianos de Nostalgia, simples y folkies, la versión de la auroral y casi olvidada Twilight Alehouse de los Men of Lake, The Lamia (una de mis canciones favoritas de toda la vida) de los Ancient Veill (que son los sobrevivientes de otra banda italiana de estupendo nivel casi olvidada; Eris Pluvia) Looking for Someone está super bien hecha, con una garra roquera que lo original no posee y la ejecuta Graziano Romani de quién tengo que averiguar alguna cosa más, la versión de Mirage de Dancing with the moonlit Knight, The Carpet Crawlers de los Notturno Concertante ha sido bien tratada, Horizon, de Max Micheletto es de lo mejorcito de toda la antología.

Por otro lado también hay de las otras. Algunas versiones sin ser malas, sin sonar mal, sin estar mal tocadas sencillamente no aportan gran cosa, otras como la versión de No Son of Mine, una canción ya discutible en su versión original.

En resumen un homenaje para coger con cuidado, con cosas bastante interesantes, algunas joyitas pero con bastante ripio.

Como no hallé ningún video de alguna de las versiones del disco, he colocado un video de Men of Lake que no suple, pero igual, ustedes tambien tienen a google

Cuatro mounstros (izq a der), Trewavas, Portnoy, Morse y Stolt: Transatlantic

Transatlantic es lo que se llama un supergrupo – es decir, la suma de músicos de alto perfil o provenientes de grandes bandas – formado por Neil Morse (en ese entonces en Spock’s Beard) Roine Stolt (Flower Kings) Peter Trewavas (Marillion) y Mike Portnoy (Dream Theater) que se dedico a un rock progresivo de corte clásico, complejo y emocionante. Después de 2 discos bastante buenos la banda se desintegró en el 2003 – coincidiendo con la conversión de Morse a alguna rama del cristianismo y su abandono de Spock’s Beard – después de editar un DVD con la última gira de la banda.

Después de la separación cada uno siguió con su carrera – Morse se dedicó a la música religiosa, Trewavas a Marillion, Portnoy a Dream Theater y Stolt a Dream Theater – sin extrañar mucho la banda.

Aparentemente.

En la página web oficial de la banda se anunció el día de hoy que vuelven al ruedo y que están grabando un nuevo disco para fin de año.

Para los fans del progre, puede ser el disco del año.

Video: My New World (part 1)

Video: My New World (part 2)

Pero como la idea es mencionar algunas joya pop de alguna banda progre – y supongo que las delicadas piezas de orfebrería pop de Marillion no cuentan, por lo reiterativo que resultaría este blog – recurro a Camel. Responsables de varios discos realmente maravillosos y entre ellos uno del 78 – el último con Pete Bardens – llamado Breathless. Si bien Camel coqueteo con el pop de manera mas consistente que algunas otras bandas de progre, algunas de sus más grande joyas dentro del género se han producido cuando no lo han buscado deliberadamente, como es el caso de Rainbow’s end.

Poco despues de Breathless Pete Bardens abandonó Camel, pero su legado en la musica de la banda se nota, incluso en el disco dedicado a su memoria, A nod and a wink.

Citizen Cain fue una de las tantas que naufragó. Pero no deja de ser divertido oirlos y no deja de serlo aun más el oirlos como fondo para una pieza de danza clásica.

La portada, el rotulo con el nombre de la banda, todo recuerda a Genesis

Submarine Silence es el nombre de una banda italiana de progresivo sinfónico enamorada del sonido de Genesis.

Esto  -  que durante la eclosión del siempre criticado neoprogresivo ochentero podía ser una maldición – no resulta una carga pesada para un trio de músicos que si a pesar de mostrar un alarde de originalidad si demuestran un dominio instrumental y un entusiasmo que pone la balanza a su favor. Otro detalle, es evidente que estamos ante una especie de banda tributo, cuya intención no es no otra que rescatar el sonido de la banda a la que idolatran, atreviéndose a introducir su propio sonido en contadisimas ocasiones. Por lo mismo no puedo juzgarlas de la misma manera como lo haría con el nuevo – y malísimo – disco de Pendragon. Sino como lo que es realmente, una suerte de divertimento, un capricho de dilentante, una suerte de muestra de cariño.

Para explicar el sonido de la banda debemos pensar en su referente mas inmediato. El disco, totalmente instrumental, por un lado conecta con el sonido del Genesis posterior a la partida de Gabriel y anterior a Acabab, incluyendo rasgos de lo primeros discos solistas de Hackett y Banks.  Entonces me resulta lícito pensar en Submarine Silence como una banda tributo, que desea coger el sonido de la etapa clásica de Genesis y procesarlo como suyo, incluyendo referencias a los inicios de las trayectorias solistas de algunos de sus miembros. La predilección por los sonidos análogicos, la obvias referencias al sonido pastoral terminaron convirtiendo Submarine Silence en una de mis referencias obligadas a oir en estos días en que la nostalgia ha cubierto mis oídos.

Portada del disco Paul Whitehead

1. The Door (1:12) es una estupenda manera de comenzar el disco, un largo solo de piano muy en la onda del Tony Banks de la segunda mitad de los 70, romántico, simple y de estupendo gusto
2. Bicycle Ride From Earth To Saturn (8:17) es un tema que arranca con una guitarra muy a lo Steve Hackett en sus primeros discos solistas y se complementa con un manejo de teclados muy en la onda del Genesis de Wind and Wuthering (ojala hubieran alguien en la batería tan bueno como Collins) resultando tema bastante poderoso
3. Elven:s Lullaby (2:26) El sonido de la banda retrocede unos años para retraerse al sonido de Genesis pre Hackett. Un tema delicado, manejado por una guitarra acústica dominante salvo una breve interrupción electrica, recordar los tiempos en que Phillips era guitarrista de la banda siempre será algo que agradezca.
4. Mr. Submarine:s Ordinary Day (Part 1) (8:29) Un inicio que tiene muchisimo que agradecer al Genesis del Nursery Crime, para bruscamente cambiar a un sonido mucho mas moderno y regresar al tono elegiaco habitual de los años pre Lambs de la banda, mucho mellotron.
5. Winter Glows (5:06) Otro tema que comienza recordando a Phillips,  a este punto es clara la presencia de la banda. La referencia para las composiciones mas reposadas es Phillips, incluso el manejo de teclados cambia para apoyarse mas en atmosferas de mellotron, como en el trespass.  Sin embargo en las partes eléctricas la referencia es innegablemente hackettiana y es que Cremoni, que tambien toca en Moongarden, es un guitarrista realmente dotado.
6. Venice, A Spooky Love Story (5:34) es un pequeño pedazo de Trespass, los que la oigan sabrán a que me refiero, a mi la verdad me encantó.
7. Mr. Submarine:s Ordinaryday (Part 2) (1:45) la primera vez que la oi, pensé  que estaba oyendo alguno de los Private Parts and Pieces de Anthony Phillips. El tecladito final a lo Banks me parece que sobra.
8. Shores Where Time Stands Still (4:05) Este tema me deja una sensación a lo Selling England by the Pounds en el manejo de teclados.  Quiza lo más crítico en esta composición es que aquí se desnudan los defectos compositivos de todo el disco, por que la estructura deja de ser invisible y se convierte en evidente. Aun asi, se deja disfrutar.
9. Red Sun (4:01) El solo de guitarra final me pone los pelos de punta.
10. Porto Di Venere (5:25) El mejor ciere posible. Si me dijeran que este es un outtake de alguno de los tres primeros discos solistas de Hackett no me hubiera sorprendido nada. Un tema increible.

Otro detalle interesante, la portada es de Paul Whitehead, responsable de las portadas de la mejor etapa de Genesis y responsable de una portada que recuerda de modo inequivoco a esos años maravillosos. Rec